This Is Not A Love Song

Vídeos exclusivamente para exposición en sala.

Galerías, Museos, Comisarios y Festivales – solicitar acceso en: javierlargen@gmail.com

 

Titulo de la obra: This Is Not a Love Song
Duracion: 04:33 min
Categoría: Video Arte Apropiacion
Autor: Largen & Bread
Año: Barcelona /España 2013
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This Is Not A Love Song explora las relaciones entre las estrategias performativas del rock y el grupo FLUXUS.
El “solo de violín” de Nam June Paik, encuentra su némesis en las guitarras destrozadas por Pete Townshend, las acciones AntiTv del colectivo Ant Farm se confunden con el Shock Rock de Wendy O Williams y el Phonoguitar de Christian Marclay se convierte en primo organológico del Viophonograph de Laurie Anderson y el Tv Cello de Charlotte Moorman.
Persistiendo en la estrategia apropiacionista de Crash!!! (2008) el título fusiona citas textuales y fragmentos sonoros extraídos de una célebre canción de PIL (1983), la banda post-punk de John Lydon (exvocalista de los Sex Pistols) y una famosa serie fotográfica del artista conceptual argentino David Lamelas “Rock Star (Character Appropriation)” (1974) en la que ironiza sobre los arquetipos de autenticidad roquera que promovía la industria musical en los años 70. Ah! y los 4’33’ que dura el vídeo son también un homenaje a la pieza del mismo título de John Cage.

 

 

 

 

 

This is Not a Love Song

— Interfaces between visual arts and pop music
21 May — 13 October 2013

This Is Not a Love Song is an exhibition that sets out to trace the genealogy of the relations between pop music and video-creation from the 1960s to today, with the emphasis on those moments in which there was feedback between the two manifestations as they explored the field of experiment, utopia and political incorrectness.

Since the 1960s, various generations of avant-garde artists have integrated into their production processes elements that are related with the attitudes and imaginaries of pop music. Artists of the calibre of Andy Warhol, Vito Acconci, Dan Graham, Nam June Paik, Joseph Beuys, John Baldessari, Rodney Graham, Tony Oursler, Christian Marclay, Mike Kelley, Douglas Gordon, Jeremy Deller o Damien Hirst, and many more, down to today, have approached this genre in some of their most outstanding works, sometimes even collaborating with different rock bands or recording their own albums. Similarly, leading musicians such as John Lennon, David Bowie, Pete Townshend, Syd Barret, Brian Eno, Alan Vega, David Byrne, Laurie Anderson and members of essential bands of the last two decades, like Sonic Youth, REM, Blur, or Franz Ferdinand all trained at art school before becoming professional musicians.

From this approach and bearing in mind that the origins of video-art run almost parallel to those of pop music, the project is divided into two sections:

1- Pop and video-creation. Shared genealogies

This section includes more than 30 significant works in the history of video art and experimental film from the 1960s to 2013 that are formally and conceptually related to the iconographies of pop and rock, with works by Andy Warhol, Nam June Paik, Yayoi Kusama. Dan Graham, Tony Oursler, Vito Acconci, John Baldessari, Christian Marclay, Douglas Gordon, Candice Breitz, Jeremy Deller, Mark Leckey, Jon Mikel Euba, Largen & Bread and others.

2- Music for your eyes. Visual arts and the aesthetics of the videoclip

This section is a journey through the history of the musical videoclip to review the careers of the most important authors of the last 40 years and their connections with contemporary visual arts and cinema and includes a programme of music videos by artists like Andy Warhol, Tony Oursler, Judith Barry, Robert Longo, Joan Morey, Damien Hirst, Ana Laura Aláez, Carles Congost, Pipilotti Rist, Dara Birnbaum, Joseph Beuys, Adel Abidin, Hugo Alonso, Charles Atlas, Marc Bijl, Olaf Breuning, Charley Case, Cheryl Donegan, Jorge Galindo i Santiago Sierra, Jesús Hernández , Bjørn Melhus, César Pesquera, John Sanborn, Kit Fitzgerald (Antarctica), etc.

List of Exhibited works

Ronald Nameth / Andy Warhol’s ‘Exploding Plastic Inevitable’, 1967
Andy Warhol ‘Screen Tests’, 1964-66
Nam June Paik and Jud Yalkut, ‘Beatles Electroniques’, 1969
Yayoi Kusama ‘Self Oblteration (dir. Jud Yalkut)’, 1967
Yayoi Kusama ‘Love in Festival’, 1968
Eric Siegel ‘Tomorrow Never knows’, 1968
Dan Graham, Tony Oursler & Laurent P. Berger ‘Don’t Trust Anyone over Thirty: The Storyboard’, 2004
Adel Abidin ‘Three Love songs’, 2010
Dan Graham ‘Rock My Religion’, 1982-84
Vito Acconci ‘Theme Song’, 1973
John Baldessari ‘Baldessari Sings LeWitt’, 1972
Tony Oursler ‘Sound Digressions in Seven Colors’, 2006
Jean Mikel Euba ‘One per Minute. Seven Minutes in Istanbul’, 2005
José Iges ‘Dylan in Between’, 2001
Largen & Bread C’rash!!!’, 2008
Largen & Bread ‘This Is not a Love Song’, 2013
Douglas Gordon ‘Bootleg (Bigmouth)’, 1996
Cristian Marclay ‘Guitar Drag’, 2000
Tony Cokes & Scott Pagano ‘5%’, 2001
Tony Cokes ‘Ad Vice’, 1998
Candice Breitz ‘Babel Series’, 1997-2004
Jeremy Deller ‘The Faireys Band Acid Brass’, 2005 – ‘History of the World’, 1997-200
Mark Leckey ‘Fiorucci Made me Hardcore’, 1999
Charlie Case ‘Friday, June 18,’ 1999, ‘City of London’, 1999
James Clar ‘Dance Therapy’, 2011
Adrian Piper ‘Funk Lessons’, 1983
Assume Vivid Astro Focus ‘ Walking on thin Ice’, 2003
John Di Stefano ‘The Epistemology of Disco’, 1990
Charles Atlas ‘Hail the New Puritan’, 1985

Exhibition itineraries

25 NOVEMBER 2015 to 7 FEBRUARY 2016: Pera Museum, Istanbul
Curators
Javier Panera
Venue
La Virreina. Centre de la imatge
A project by
Screen Projects, Primavera Sound, La Virreina Centre de la Imatge
Date and hours
21 May — 13 October 2013 Add to calendar

THIS IS NOT A LOVE SONG

Cruce de caminos entre videocreación y música pop

 Comisario:  Javier Panera

This Is Not a Love Song es una exposición que  intenta trazar una genealogía de las relaciones entre música pop y videocreación desde los años sesenta del pasado siglo hasta la actualidad, poniendo énfasis en aquellos momentos en que ambas manifestaciones se retroalimentaron y se movieron en el territorio de la experimentación, la utopía o la incorrección política.

Desde los años sesenta del siglo XX son ya varias las generaciones de artistas de vanguardia que han integrado en sus procesos de producción elementos que se relacionan con las actitudes e imaginarios de la música pop. Artistas tan relevantes como Andy Warhol, Vito Acconci, Dan Graham, Nam June Paik, Joseph Beuys, John Baldessari, Rodney Graham, Tony Oursler, Christian Marclay, Mike Kelley, Douglas Gordon, Jeremy Deller o Damien Hirst, entre un largo etcétera que llega hasta hoy, se han aproximado a este género en algunos de sus trabajos más destacados, llegando en ocasiones a colaborar con diferentes bandas de rock o incluso a grabar sus propios discos. Del mismo modo, músicos tan significativos como John Lennon, David Bowie, Pete Townshend, Syd Barret, Brian Eno, Alan Vega, David Byrne, Laurie Anderson o miembros de bandas imprescindibles de las dos últimas décadas como Sonic Youth, REM, Blur o Franz Ferdinand se formaron en escuelas de arte antes de dedicarse profesionalmente a la música.

Bajo estas coordenadas, y teniendo en cuenta que los orígenes del videoarte son casi paralelos a los de la música pop, el proyecto se divide en dos secciones:

1. Pop y videocreación. Genealogías compartidas

Reúne más de treinta piezas significativas de la historia del videoarte y el cine experimental desde los años sesenta hasta 2013 que se relacionan formal o conceptualmente con las iconografías del pop y el rock, con obras de Andy Warhol, Nam June Paik, Yayoi Kusama, Dan Graham, Tony Oursler, Vito Acconci, John Baldessari, Christian Marclay, Douglas Gordon, Candice Breitz, Jeremy Deller, Mark Leckey, Jon Mikel Euba y Largen & Bread, entre otros.

2. Música para tus ojos. Artes visuales y estética del videoclip

Esta sección es un recorrido por la historia de videoclip musical en el que se revisan las trayectorias de algunos de los más significativos realizadores de los últimos cuarenta años y sus conexiones con las artes visuales y el cine contemporáneos, e incluye un programa de vídeos musicales realizados por artistas como Andy Warhol, Tony Oursler, Judith Barry, Robert Longo, Joan Morey, Damien Hirst, Ana Laura Aláez, Carles Congost, Pipilotti Rist, Dara Birnbaum, Joseph Beuys, Adel Abidin, Hugo Alonso, Charles Atlas, Marc Bijl, Olaf Breuning, Charley Case, Cheryl Donegan, Jorge Galindo i Santiago Sierra, Jesús Hernández, Bjørn Melhus, César Pesquera, John Sanborn, Kit Fitzgerald (Antarctica), etc.

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Artistas y obras:

Ronald Nameth / Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable, 1967
Andy Warhol’s Screen Tests, 1964-66
Nam June Paik and Jud Yalkut / Beatles Electroniques, 1969
Yayoi Kusama / Self Oblteration (dir. Jud Yalkut), 1967
Yayoi Kusama / Love in Festival, 1968
Eric Siegel / Tomorrow Never knows, 1968
Dan Graham, Tony Oursler & Laurent P. Berger / Don’t Trust Anyone over Thirty: The Storyboard, 2004
Adel Abidin / Three Love songs, 2010
Dan Graham / Rock My Religion, 1982-84
Vito Acconci / Theme Song, 1973
John Baldessari / Baldessari Sings LeWitt, 1972
Tony Oursler / Sound Digressions in Seven Colors, 2006
Jean Mikel Euba / One per Minute. Seven Minutes in Istanbul, 2005
José Iges / Dylan in Between, 2001
Largen & BreadCrash!!!, 2008
Largen & Bread / This Is not  a Love Song, 2013
Douglas Gordon / Bootleg (Bigmouth), 1996
Cristian Marclay / Guitar Drag, 2000
Tony Cokes / 1’, 2004
Tony Cokes & Scott Pagano / 5%, 2001
Tony Cokes / Ad Vice, 1998
Candice Breitz  / Babel Series, 1997-2004
Jeremy Deller / The Faireys Band Acid Brass, 2005 – History of the World, 1997-200
Mark Leckey / Fiorucci Made me Hardcore, 1999
Charlie Case / Friday, June 18, 1999, City of London, 1999
James Clar / Dance Therapy, 2011
Adrian Piper / Funk Lessons, 1983
Assume Vivid Astro Focus / Walking on thin Ice, 2003
John Di Stefano / The Epistemology of Disco, 1990
Charles Atlas / Hail the New Puritan, 1985

This is not a music video 

Dara Birnbaum / Acid Rock, 1982
Joseph Beuys  / Sonne Statt Reagan (Música: Die Deserture) 1982
John Sanborn, Kit Fitzgerald (Antarctica) / Ear to the Ground, 1982
Pipilotti Rist / I’m a Victim of This Song, 1995
Bjørn Melhus /  No Sunshine, 1997
Olaf Breuning  / Ugly Yelp, 2000
Rodney Graham / A Little Thought, 2000
Cheryl Donegan / Channeling in 4 Versions, 2001
Ana Laura Aláez / Superficiality, 2003
Carles Congost / Un Mystique Determinado, 2003
Joan Morey / NUEVA OLA o Desencert (Short Version)”, 2004
Ana Laura Aláez  / Horizon, 2005
Charles Atlas  / You Are My Sister, 2006
Jorge Galindo y Santiago Sierra  / Los Encargados, 2012
César Pesquera / An Army Of Crystallized Thoughts  (2010)
Jesús Hernández (NYSUfilms) / Glez. Todo el tiempo (2010)
Marc Bijl / Good Things (Música: Götterdämmerung) 2003
Adel Abidin / Jihad, 2006
Hugo Alonso / Rec, 2006

La Virreina Centre de la Imatge
Barcelona, Spain (21 Mayo – 3 Octubre 2013)

Una coproducción de: Screen Projects / Primavera Sound / La Virreina Centre de la Imatge

El perfil menos humano

Exposición “This is not a Love Song” en La Virreina de Barcelona

Hasta el 13 de octubre, quienes vivan en Barcelona o estén de visita, tendrán la suerte de poder asistir, de forma totalmente gratuita, a la exhaustiva exposición ‘This is Not a Love Song’, ubicada en La Virreina Centre de la Imatge y dedicada a las relaciones establecidas entre el arte visual de vanguardia y la música popular desde los años 60 del pasado siglo hasta nuestros días. La muestra, comisionada con gusto e inteligencia por F. Javier Panera, es básicamente un conjunto de audiovisuales artísticos de diferente tipo, yendo desde el videoarte hasta el videoclip, pasando por filmaciones de performances, documentales, videoinstalaciones y un largo etcétera.En realidad, y pese a la esporádica presencia de alguna pintura mural –pienso, por ejemplo, en el incisivo diagrama de Jeremy Deller ‘The History of the World’ (1997-2004), que interrelaciona el acid house con las brass bands–, la marcada preponderancia de las videocreaciones ya es constatada por el catálogo promocional de la propia muestra, y es, de hecho, una de las claves de la misma. En realidad, con ello no hace sino reflejar el desarrollo cultural de nuestra sociedad tras la implantación de la TV en la década de los 50 en los hogares occidentales, una circunstancia que dio lugar a la modelación ideológica de todo el Primer Mundo conforme al consumista american way of life, que a día de hoy prácticamente se halla asumido por todo el planeta. El transvase de soporte comunicativo, desde la palabra escrita hasta la palabra oral y la imagen, en un movimiento cíclico de vuelta a la expresión menos racional de nuestros ancestros primitivos, se apoyó en una tecnología capaz de abarcar el planeta y de crear grupos ingentes de opinión (la temible, y a menudo banal, “opinión pública”). Y con la implantación y el triunfo de los mass media eclosionó la respuesta artística a dicho fenómeno.

Jeremy Deller -The History of the World-Cortesía de la Tate Gallery

Articulando en paralelo, pues, la evolución de la música popular y de la videocreación con los cambios históricos, sociales y culturales acaecidos en el lapso de tiempo mencionado –recordándonos la obviedad de que toda manifestación artística es síntoma de su época, pero también su sublimación, su esencia–, ‘This is Not a Love Song’ ya da una pista del tono eminentemente amargo e irónico de dicha filiación en el mismo título de la propuesta, tomado de la canción de la banda de post-rock PiL. Las piezas mostradas se integran en dos grandes bloques: el primero de ellos, estructurado en cinco partes, está dedicado a una genealogía de creaciones experimentales y vanguardistas vinculadas al pop-rock, y el segundo bloque, a la mutación del lenguaje y el arte visuales mediante la estética del videoclip.

Respecto al primero, no es casualidad, que, dado el clima contestatario de la Norteamérica de los años 60, sumida en protestas de liberación racial y sexual y en soflamas pacifistas contra la guerra de Vietnam, la exposición se inicie precisamente en esa década de patente oposición al pensamiento único implantado por los medios de comunicación, con dos fimaciones de Andy Warhol en su primera sección: ‘Arte en el pop / Pop en el arte’. La lucidez del artista estadounidense a la hora de comprender la inmediatez y, en consecuencia, la superficialidad del mundo en que vivía, así como la de vaticinar el que se avecinaba, se plasma en la exposición en sus relaciones con The Velvet Underground: todo un trabajo fundacional que extenderá su influencia en artistas posteriores.

Andy Warhol -Screen Test Nico

Como muestra de tal afirmación tenemos, por ejemplo, la espléndida obra de Jud Yalkut y Nam June Paik (‘Beatles Electroniques’, 1966-1969), constituida por la deconstrucción de varias filmaciones de conciertos de The Beatles junto a la interpretación visual del sonido de dichas actuaciones, recogido en los monitores del equipo de grabación. Premonitoriamente hecha pocos meses antes de la separación del grupo, esta cinta, al distorsionar hasta la abstracción los rostros de los cuatro músicos, contiene un componente desasosegante, y por momentos casi terrorífico, en tanto recordatorio de la falsedad de las apariencias y la engañosa condición “verídica” de las imágenes en movimiento.

De este primer capítulo destaca igualmente una obra de Eric Siegel también dedicada a The Beatles (‘Tomorrow Never Knows’, 1968) y los trabajos de Yayoi Kusama, ambos de videoarte imbuidos, por aquel entonces, en la colorista estética de la cultura psicodélica.

Beatles Electroniques- Eric Siegel- cortesía de Electronic Arts Intermix, NY

El capítulo siguiente, con el ilustrador título de ‘Histeria y religión’, reflexiona sobre la iconografía de la música pop y la conversión de sus estrellas en verdaderos sacerdotes y sacerdotisas de un culto dionisíaco, cuando no directamente en idolatrados dioses para un público fanáticamente entregado a su Becerro de Oro. Esta sección cuenta con dos de las mejores obras exhibidas: el ensayo documental ‘Rock My Religion’ (1983) de Dan Graham y la videoinstalación ‘Three Love Songs’ (2010) de Adel Abidin. La primera, empleando la técnica del found footage y la yuxtaposición de entrevistas, grabados antiguos, imágenes de archivo, citas literarias, etc., es un palimpsesto fílmico cargado de sarcasmo y lucidez que indaga sobre la conversión de cantantes como Patti Smith, Jim Morrison, Elvis o Henry Rollins en verdaderas deidades en la Tierra, lo que revela que la adoración dogmática de sus fans, estimulada por las actitudes mesiánicas –y un punto ridículas– del ego de los artistas, no se encuentra alejada de los mecanismos de enajenación de las sectas religiosas.

Dan Graham - Rock My Religon-

Por lo que atañe a la pieza de Abidin, el componente de amargo humorismo es todavía más marcado, pues se trata de tres filmaciones sincronizadas que recogen, sucesivamente, las actuaciones de tres mujeres caucásicas, adscritas a los tópicos estéticos y musicales de tres épocas de la música pop: los años 50 (con una canción y una puesta en escena de aires jazzísticos que recuerda a Julie London); los años 60 (con una balada y una pose lánguida muy similar a las de Nancy Sinatra) y la que atañe al presente (una suerte de videoclip de Christina Aguilera). Más allá de incidir en la simplicidad de las composiciones de éxito masivo y en el papel esencial que para la popularidad de estos temas tiene la cuidada fabricación de la imagen de las atractivas intérpretes, el ánimo del espectador se ve sacudido por un efecto de demoledora incredulidad cuando descubre que cantan en árabe violentas y machistas letras de arenga militar exaltando el régimen de Saddam Hussein.

Adel Abidin -Three Love Songs

En cuanto a ‘”No músicos” vs “No artistas”. Rock y arte conceptual’ se vincula a la decepción y la furia nacida en los años 70 a consecuencia del hundimiento de la utopía hippie, lo que propició el movimiento Fluxus, auspiciado por John Cage, que atacaba el concepto tradicional del arte como mercancía y que, por ello, se autocalificó de “antiarte”. De ahí la importancia de las performances y los happenings de los creadores que se adscribieron a dicha corriente. Y, dado que las actuaciones de las estrellas de la música popular tenían cada vez más de representación, y cada vez menos de composición (la música punk, cuya pobreza compositiva es proverbial, respondía a esa actitud), finalmente desembocó en una parodia feroz del star system del pop-rock, como constatan con meridiana claridad las obras de Vito Acconci (‘Theme Song’ 1973) o John Baldessari (‘Baldessari Sings LeWitt’, 1972), sendas filmaciones de los propios artistas interpretando de una forma anticonvencional letras de canciones (el inquietante “close up” de Acconci) o citas de textos (las letanías de fragmentos de Sol LeWitt de Baldessari) para recordar al público el carácter artificial –y por tanto peligrosamente ortodoxo– del típico espectáculo de la industria musical. En este sentido, especialmente ingeniosa resulta la pieza sonora de José Iges ‘Dylan in Between’ (2001), compuesta por la recopilación de los ruidos de los surcos entre las canciones de un vinilo de Bob Dylan: unos sonidos residuales que, como si de cacofonías fantasmagóricas se tratara, patentizan la obsesión de los fans por encontrar significados ocultos, cabalísticos, en las letras de sus ídolos.

Vito Acconci -Theme Song

En cuanto al apartado ‘“El rock y su doble.” La música pop como caja de herramientas’, mezcla, con un tono tan melancólico como sarcástico, la conversión de la música popular en nuestros días, dada toda su leyenda y mitomanía precedentes, en un universo autoreferencial con sus propios códigos, los cuales han impregnado, no solo la cotidianidad de las personas y la historia de los siglos XX y XXI, sino también, lógicamente, el mismo arte moderno. Ante ello, las creaciones expuestas emplean algunos de sus recursos de manipulación (de “posproducción”, podría decirse), para explorar su condición mitológica y, con ello, para poder liberarse de la inevitable esclavitud que comporta vivir en su contemporaneidad.

Muy significativas son, según lo comentado, las dos piezas expuestas del colectivo Largen & Bread: una, que toma el título de la exhibición y está hecha ex professo para ella –’This is Not a Love (Character Appropiation), 2013’– y otra, la mucho más interesante ‘Crash’ (2008), en la que, para recordarnos la saturación de los estímulos visuales que a cada momento recibimos, se proyectan en una pantalla tres filmaciones simultáneas de tres conciertos durante los cuales sus artistas destrozan sus instrumentos; dichas imágenes son sometidas a un proceso de distorsión (saturación, sobreexposición, negativación, etc.) que se cierra finalmente con su disolución en un fundido en blanco y convierte el feedback de guitarra que originalmente se oía en la filmación de Jimi Hendrix en una pieza de Steve Reich. Por tanto, algo tan marcadamente apegado a lo popular encuentra su conexión con la “alta cultura” merced a un proceso de reducción y abstracción; una operación similar a la realizada por Douglas Gordon en ‘Bootleg (Bigmouth)’ (1996), que somete a proyección ralentizada y a zooms la grabación pirata de un concierto de The Smiths.

Largen & Bread - This is not a Love Song - Cortesíade La Virreina Centre de la imatge

En cualquier caso, destaca con luz propia en esta sección la cinta ‘Guitar Drag’ (2000) de Christian Marclay, dado que la obra aúna con habilidad la denuncia social, la reflexión artística y el gozo mitómano. Partiendo del asesinato, en 1998, de James Byrd Jr. (que fue arrastrado hasta su muerte, atado en una camioneta, por miembros de un grupo de supremacía blanca en Texas), Marclay recrea los hechos sustituyendo a la víctima humana por una Fender Stratocaster, que además se encuentra conectada a un amplificador en la parte trasera de la pick-up. A lo largo del recorrido de la guitarra sobre el asfalto, los sonidos que primero emite son parecidos a las distorsiones de Glenn Branca o Sonic Youth, para luego devenir ruidos monocordes y, finalmente, desaparecer: una desgarradora metáfora de la muerte, pero también de la reducción al absurdo de la música, que esta performance filmada expresa de manera tan hipnótica como dolorosa.

Christian Marclay -Guitar Drag

El último capítulo del bloque de videoarte está dedicado a ‘Políticas de la música de baile’, incidiendo por tanto en una manifestación de la denominada música popular que, en sus diversos estilos (el funk, el acid, el disco dance, el tecno-pop, el big beat, el hip hop, etc.), es sobre todo un tipo de expresión musical concebida tanto –o más– para ser bailada que para ser escuchada. De ahí la preponderancia de sus bases rítmicas y la apropiación de cada una de sus concreciones por distintas tribus urbanas, generalmente de carácter marginal o minoritario, dado el componente de evasión y liberación que implica la danza, pero, también, dada la idea de comunión humana que en el fondo pone de manifiesto, como evidencia el trabajo de Adrian Piper (‘Funk Lessons’, 1983), en el que la autora da clases de funk a un grupo de estudiantes blancos, redundando en el tópico, y a la vez acabando con él, “de que los blancos no saben bailar”.

Por otro lado, no hay que olvidar la faceta de protesta efectiva que tiene una música que incita al movimiento, esto es, que deviene un antídoto contra la pasividad y la desidia; en este sentido es reveladora la filmación ‘Friday, June 18, 1999, City of London’ de Charley Case (1999), al recopilar las protestas colectivas, acaecidas en la fecha que da título a la cinta, del movimiento británico Reclaim The Streets. Asimismo, se recalca la asociación de algunas de estas músicas con etnias minoritarias (especialmente, los negros) y con el movimiento de liberación homosexual y transexual (véase el trabajo de John Di Stefano: ‘The Epistemology of the Disco’, 1991, y la combinación de vídeo y pintura mural del colectivo brasileño Assume Vivid Astro Focus: ‘Walking on Thin Ice’, 2003).

Assume Vivid Astro Focus -Walking on Thin Ice

Cierra la muestra la segunda parte de la misma, en una extensa selección de emblemáticos videos musicales –‘Video killed the radio star (una historia del videoclip)’– y trabajos de videocreación –‘This is not a Music Video’– que, por un lado, trazan un recorrido desde los orígenes del género alrededor de los años 60-70, pasando por su eclosión en los años 80 y llegando a su consagración autorial en los 90, así como, por otro lado, recopila obras de artistas y realizadores de nuestro tiempo que se han apropiado de las claves y estrategias de dicho lenguaje para imitarlo, enriquecerlo, transformarlo o parodiarlo. Cuenta, en consecuencia, con un extenso catálogo de nombres, entre los que se podría citar los de Russell Mulcahy, Mary Lambert, Tony Oursler, Michel Gondry, Chris Cunningham, Carles Congost, Charles Atlas, Anton Corbijn, Mark Romanek, Judith Barry, David Fincher o Spike Jonze.

Chris Cunningham Aphex Twin

Viviendo como vivimos en un mundo marcado por el asentamiento de una cultura de la inmediatez y el estímulo visual, con una información tan superficial y contradictoria como manipulada, convertida en herramienta de los grupos de poder para adocenar a la población y obligarla a entrar, inadvertidamente, en las trucadas reglas del juego capitalista, ‘This is Not a Love Song’ nos recuerda la necesidad de adoptar una perspectiva crítica incluso ante un fenómeno en apariencia tan inofensivo, y de hecho tan necesario, por lo catárquico, emocional y liberador, como es la música popular. ¿Pero qué puede decirse de una sociedad que ha recluido a la música clásica (hoy denominada, y con triste motivo, “música culta”) a una élite intelectual? ¿Por qué en el día a día se propaga una concepción de este arte que, con independencia de sus diversos grados de calidad, es infinitamente más sencilla y, por ello, fácil, simplista? ¿No será porque así es más apta para el consumo y, especialmente, para el negocio? ¿Para la vacuidad, la intrascendencia? ¿La homogenización? Y es que el amor a la música pop-rock no debe hacernos olvidar nuestra capacidad, tan humana como divina, de razonar.

El arte del videoclip

El Palau de la Virreina describe las interacciones entre la música pop y el videoarte en su exposición «This is not a love song»

El arte del videoclip
Fotograma de la la obra «Babel Series», de la artista sudafricana Candice Breitz (Propias)

 

Major new show focuses on pop music and video art

KAYA GENÇ
ISTANBUL
PublishedDecember 4, 2015
Major new show focuses on pop music and video art

Curated by Javier Panera, ‘This is Not a Love Song’ exhibition features 26 works by 28 artists who examine the crossover between video art and pop music

Last Wednesday, I met Javier Panera at Pera Museum, where I had spent the morning visiting different sections of his exhibition, «This is Not a Love Song: Video Art and Pop Music Crossovers,» which is on until Feb. 7. Panera, who looks like a rock-star with his long hair and cool outfit, was visibly tired when we sat down for an interview. He had spent the previous night spinning music for Istanbul’s contemporary art community who had come to the opening of his show, which explores the fascinating relationship between visual arts and music.

«In my life pop music and pop art have the same importance,» Panera told me before sipping his coffee. A lecturer in the field of art history at the University of Salamanca, Panera becomes passionate as he talks about the history of pop art. «When I speak about a period in the history of art, it is necessary that I also speak about the music of that era,» he said.

In his article for the exhibition program, Panera reflects on Frank Zappa’s famous words about how «writing on music is much like dancing on architecture.» I asked him whether curating a show on music is any different. «The birth of pop art is at the same time the birth of pop music,» he argued. Since these two things are inseparable, it is only logical to curate a show about their relationship. In other words, no, curating a show on music is not at all like dancing on architecture.

«In 1956, Elvis Presley released his first record for RCA Records. Not much later, the English artist Richard Hamilton produced a painting that had the same dimensions as that record’s sleeve. The birth of Elvis’s music is the birth of the relationship between pop art and pop music,» Panera explained.

From Hamilton’s images, Panera moves on to Andy Warhol who also produced paintings of Elvis («Red Elvis,» «Elvis 49 Times» and «Elvis 21 Times») in 1962. «Andy Warhol’s very experimental films in the 1960s are directly linked to the musical experiments of the Velvet Underground as well as the experimental records of the Beatles,» he said. The show features numerous «Screen Tests» from the years 1964-1966 with Lou Reed, John Cale, Nico, Sterling Morrison and Maureen Tucker.

«The 60s saw the emergence of the first generation of artists who were brought up under the influence of what some people called «the devil’s music,'» the curator explains in the exhibition program. «Famous people and anonymous people were filmed by Andy Warhol’s 16 millimeter camera, for almost four minutes, without any instructions other than ‘to get in front of the camera.’ During that time the camera should not move, the background should be neutral and uniform, ‘subjects must be well lit and centered on the frame; each poser should face forward, sit as still as possible, refrain from talking or smiling, and try not to think.'»

Panera has designed the show around five sections. In the first one, «Art in Pop, Pop in Art,» he looks at the 1960s through artists including Yayoi Kusama, Nam June Paik, Eric Siegel and Ronald Nameth. This is followed by «Hysteria and Religion», a section he bases on Dan Graham’s essay «Rock My Religion» where works by Douglas Gordon, Tony Oursler and Laurent P. Berger offer critiques of rock music and the way the music industry turns rock musicians into messiahs. The third section, «Rock and Conceptual Art – ‘Non-Musicians’ vs. ‘Non-Artists’,» looks at the Fluxus movement and conceptual art and features works by multidisciplinary artists Douglas Gordon and Jon Mikel Euba, alongside figures like Christian Marclay. The penultimate section, «Rock and Its Double – Pop music as a ‘toolbox’,» offers a melancholic, as well as satirical look, at history with video installations by Candice Breitz, Scott Pagano, Tony Cokers and Jon Mikel Euba. The final part of the exhibition, «The Politics of Dance Music» is all about the 1980s and early 1990s, focusing on «the emancipating power of dance music, and its ability to visualize identities, questions of race, gender, class, agit-pop and some examples of civil rights demands through the festive repoliticization of the public space.»

A notable absence in the show, are musicians or video artists from Turkey. «At the end of the 1960s and the beginning of 1970s the music had become very important for inflicting political change in Turkey,» Panera told me. «I really like the experimental music of that time. I like Anatolian, psychedelic rock. I like Selda Bağcan and Erkin Koray. I think the music of that time is fantastic and very political. I also like video artists from Turkey but I don’t know any who work on the relationships between music and contemporary art. I like Kutluğ Ataman but I didn’t know if he had any works focusing on the relationship between music and contemporary art.»

Panera’s exhibition was originally shown in Barcelona in 2013. «Pera Museum’s curators approached us after seeing the show in Screen Projects / Loop at La Virreina Center de La Imatge,» Panera explained. «They wanted the show to travel to Istanbul. One big difference between the two exhibitions concerns their catalogues. The new catalogue has much more textual material in it.»

Another interesting section of «This is Not a Love Song,» is its screening program titled «This is Not a Music Video»: «As a counterpoint to the video-installations exhibited in the galleries and the programs of music videos linked to the recording industry, a screening program has been put together that includes a selection of works of video art by contemporary artists, who since the 1980s, have appropriated the aesthetics of the music video and have deconstructed it,» according to the exhibition program. The screening program includes works by a large group of artists including Joseph Beuys, Dara Birnbaum and Ana Laura Alaez.

«I am a collector of vinyl records,» Panera told me before we left Pera Museum’s cafe. «I have 12,000 vinyl records in my collection. The music is very important in my life. It is good for experiencing emotions. But it is also good for thinking. Contemporary art makes us understand music better and music does the same for contemporary art. Gregorian chant is the perfect medium to understand Gothic architecture. The works of Warhol are perfect for understanding the Velvet Underground and the music of Velvet Underground is perfect for understanding Warhol.»

Bu Bir Aşk Şarkısı Değil | Pera Müzesi

«Bu Bir Aşk Şarkısı Değil»
25 Kasım 2015 – 7 Şubat 2016
Pera MüzesiPera Müzesi, kuruluşunun 10. yılında video sanatı ve pop müzik ilişkisini ele alan “Bu Bir Aşk Şarkısı Değil” başlıklı sergiyi 25 Kasım 2015 – 7 Şubat 2016 tarihleri arasında sanatseverlerle buluşturuyor. Sergide aralarında Nam June Paik, Andy Warhol, Yayoi Kusama, Vito Acconci ve John Baldessari gibi öncü video sanatçılarının da bulunduğu 28 sanatçının eseri yer alıyor.

Pera Müzesi, 1960’lardan günümüze pop müzik ile video sanatı arasındaki ilişkilerin izini süren “Bu Bir Aşk Şarkısı Değil: Video Sanatı ve Pop Müzik İlişkisi” sergisinde hem biçimsel, hem de kavramsal açıdan pop ve rock ikonografileriyle bağlantılı olan video sanatı ve deneysel film tarihinin önemli eserlerine yer veriyor. Küratörlüğünü Javier Panera’nın üstlendiği sergi, “Pop İçinde Sanat / Sanat İçinde Pop”, “Histeri ve Din”, “Rock ve Kavramsal Sanat / ‘Müzisyen olmayanlar’ ile ‘sanatçı olmayanlar’ karşı karşıya”, “Rock ve İkizi / Bir ‘alet çantası’ olarak pop müzik” ve “Dans Müziği Politikaları” başlıklı beş bölümden oluşuyor. Sergiye ayrıca kapsamlı bir video gösterim programı da eşlik ediyor.
Küratör Panera, doğası gereği melez bir tür olan rock müziğin, görsel sanatlardan çok önce, sınırları ateşleyen ilk postmodern kültür hareketi olarak ortaya çıktığının altını çiziyor ve ekliyor: “20. yüzyılda çoğu zaman sanat ve müzik alanındaki pratiklerin birbirlerini besleyerek gelişmeleri ve pop müziğin “alet çantası” görevi gördüğü ve deneysel ile yıkıcılığın beklenmedik ve çelişkili ilişkilere girdiği paralel yollarda yürümüş olmaları şaşırtıcı değildir. Gerek ‘müzik endüstrisi’, gerekse ‘sanat sistemi’, en uygunsuz müzik ve sanat eğilimlerini yanlışlayıp hükümsüz kılarak, her gençlik isyanını, pek çok çelişkiyi beraberinde getirme pahasına ‘tüketim kültürü’ne dönüştürme eğilimindedir.”
“Bu Bir Aşk Şarkısı Değil: Video Sanatı ve Pop Müzik İlişkisi” sergisi bu çelişkileri göz ardı etmeyerek, aynı zamanda müzik ile görsel sanatlar – özellikle de pop müzik ile video sanatı – arasındaki ilişkinin, müzisyenler ile sanatçıların kendilerini, bilinçli veya bilinçsiz bir şekilde, egemen kültürel sistemin aktörü olarak konumlandırdığını ortaya koyuyor.
Screen Projects/LOOP işbirliğiyle düzenlenen sergiyle ilgili kurumun direktörü Carlos Duran ise video ve sinemanın, yani hareketli görsel sanat pratiklerinin çağımızın dilini oluşturmakla kalmadığına, aynı zamanda sanat ile halk arasındaki sınırları da yok edebilen, böylece özenli ve yenilikçi söylemler için ortak bir zemin hazırlayabilen asli araçlar olduğuna inandıklarının altını çiziyor. Duran “Müzik ile videonun sanatsal ifadeler olduğu, altmışlardan beri birbirlerini beslediği, deneyimlemek üzere yeni ortak alanların arayışında olduğu bir gerçek. Ancak henüz hareketli imge bağlamında, pop müzik evreniyle ilgili kapsamlı bir görüş ortaya konmadı. 2010 yılında bu alanda uzman, İspanyol küratör Javier Panera ile bir söyleşi üzerine ortaya çıkan bu sergi, video sanatı ile pop müzik arasındaki ilişkilerin izini sürüyor ve sanat tarihinde alternatif bir yol haritası öneriyor” diyor.
Pek çok sanatçı en seçkin eserlerinde rock & roll, pop, saykodeli, glam, punk, soul, disko müziği, hip-hop, indie pop, elektronik müzik, daha kısa ömürlü alt türleri ve son elli yılın müzik trendleri ile ilişki kurmuş, hatta kimi zaman farklı rock gruplarıyla ortak çalışmalar yürütmüş veya kendi albümlerini çıkarmışlardır. Son yirmi yılın önde gelen müzisyenlerinin de pek çoğu profesyonel müzisyen olmadan önce sanat fakültelerinde eğitim görmüşlerdir.
Joseph Beuys, Andy Warhol, Vito Acconci, Dan Graham, Nam June Paik, John Baldessari, Tony Oursler, Christian Marclay, Douglas Gordon, Jeremy Deller, gibi sanatçılar ve günümüze kadar daha birçok sanatçı en seçkin eserlerinde bu müzik türüyle ilişkiye girmiş, hatta kimi zaman farklı rock gruplarıyla ortak çalışmalar yürütmüş veya kendi albümlerini çıkarmışlardır. Aynı şekilde John Lennon, David Bowie, Pete Townshend, Syd Barret, Brian Eno, Alan Vega, David Byrne ve Laurie Anderson gibi önde gelen müzisyenler ve Sonic Youth, REM, Blur, Franz Ferdinand ve The Kills gibi son yirmi yılın önemli gruplarının üyelerinin hepsi profesyonel müzisyen olmadan önce sanat fakültelerinde eğitim görmüşlerdir.
25 Kasım 2015 – 7 Şubat 2016 tarihleri arasında düzenlenen “Bu Bir Aşk Şarkısı Değil” sergisi Pera Müzesi ziyaretçilerini, Amerikalı yazar Greil Marcus’un deyişiyle, “silindikten sonra hafızamızda derin bir iz bırakan ruj lekesi gibi” geçici ama yoğun izler bırakan sanatçıların ortaya koyduğu “alternatif” bir sanat tarihi üzerine düşünmeye teşvik ediyor.
Müzik:Müzikotek

ETİKETLER

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Pera Müzesi’nde İki Yeni Sergi!

 Sanatın İstanbul’daki vazgeçilmez adresi Pera Müzesi, iki yeni sergiye ev sahipliği yapıyor. Video sanatının önemli örneklerini bir araya getiren “Bu Bir Aşk Şarkısı Değil: Video Sanatı ve Pop Müzik İlişkisi” ile sanatseverleri Türk resminin tarihinde zaman yolculuğuna çıkaran “Üryan, Çıplak, Nü: Türk Resminde Bir Modernleşme Öyküsü” sergileri, 7 Şubat 2016 tarihine dek keşfedilmeye açık olacak.

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Pera Müzesi’nin 25 Kasım’da başlayacak yeni sergilerinden ilki,1960’lardan günümüze pop müzik ile video sanatı arasındaki ilişkinin izini süren “Bu Bir Aşk Şarkısı Değil: Video Sanatı ve Pop Müzik İlişkisi” sergisi. Hem biçimsel, hem de kavramsal açıdan pop ve rock ikonografileriyle bağlantılı olan, video sanatı ve deneysel film tarihinin önemli eserlerine yer veren serginin küratörlüğünü Salamanca Üniversitesi Öğretim Üyesi Javier Panera yapıyor. Sergide, aralarında Nam June Paik, Andy Warhol, Yayoi Kusama, Vito Acconci ve John Baldessari gibi öncü sanatçıların da bulunduğu 28 sanatçının 26 yapıtı yer alıyor.

La Virreina explora el rock&roll y el pop a través de fotos y vídeo.

La Virreina explora el rock&roll y el pop a través de…

«This is not a love song» es un cruce de miradas entre la industria alienante del Rock’n’Roll y la era del pop en la saturación de los visual media.

Barcelona – JUN 05, 2013

This is not a love song (Esto no es una canción de amor) reza el letrero de la exposición, y es lícito que el espectador pueda preguntarse, ¿y entonces, de qué se trata? Para empezar, una exhibición recientemente inaugurada en el Centro de la Imagen La Virreina, la misma semana durante la cual también han tenido lugar en Barcelona otros dos acontecimientos estrechamente vinculados a la música y el vídeo-arte: el Primavera Sound y el LOOP Screen Festival; ambos coproductores de esta instalación que hasta el 29 de septiembre de 2013 permanecerá abierta al público.

Assume Vivid Astro Focus. Walking on Thin Ice, 2003.

La exposición consigue una estructura gráficamente diferenciada en dos secciones: la primera de ellas – Pop y vídeo-creación – proyecta un recorrido a través de la historia del cine experimental y su confluencia con el arte pop; mientras que la segunda – Música para tus ojos – expone los orígenes del videoclip musical durante los años 60 y la evolución que experimentó cuando empezaron a desconstruirse los estereotipos audiovisuales del momento.

Las verdaderas estrellas – decía Andy Warhol – son aquellas que son capaces de hacer alguna cosa que no puedes dejar de mirar ni un segundo, aunque tan sólo se trate de un movimiento dentro de sus ojos”. Warhol perteneció a la primera generación de artistas que fueron educados bajo la influencia del rock y que, en consecuencia, adoptaron motivos iconográficos propios del género en sus creaciones.

Candice Breitz, Babel Series, 1997-2004

Cinco pantallas encierran en una habitación las filmaciones de los componentes de la banda de rock experimental The Velvet Underground, como fueron Lou ReedJohn Cale o Sterling Morrison. Sus rostros son retenidos durante unos pocos segundos sin que ningún sonido escape de las imágenes, en un proyecto que Warhol acabaría editando como Screen Test, A diary, añadiendo a las ya existentes, otras personalidades de los círculos artísticos.

Es posible que las miradas de los figurantes finjan, durante unos segundos, prestar atención a la cámara que los vigila. Sus sonrisas son fugaces a la vez que dirigen, en un gesto impreciso, la mano hacia los labios para disimular la incomodidad o encenderse un cigarrillo.

En numerosas ocasiones, estos breves retratos servían como telón de fondo durante sus actuaciones. Fue precisamente en el trabajo conjunto de creación de las carátulas de sus discos, que el arte pop y la música rock se entrecruzaron, incidiendo en la fama posterior que adquiriría el grupo.

Charles Atlas, Hail the New Puritan, 1985

Esta clase de proyectos fueron coetáneos a los que surgieron durante los movimientos hippies en los años 60 y que también escogieron conectar el escenario musical con el artístico. Las primeras grabaciones de los festivales de música en Nueva York de la artista japonesa Yayoi Kusama, por ejemplo, reflejan esta estética sobrecargada de sonidos y sinergia de colores que probablemente trataran de emular los efectos de la droga LSD, proponiendo una vía de escape a la realidad presente. Por otro lado, artistas como el neoyorquino Jud Yalkut, trataban de desmitificar en sus obras iconos mediáticos como The Beatles, distorsionando fragmentos de sus canciones y acompañándolas de deformaciones visuales que ya insinúan un primer acercamiento al arte psicodélico.

El grupo Largen & Bread, también realizó un trabajo similar al de Yalkut, apropiándose y desfigurando secuencias de música rock, sugiriendo que el artista ya no era capaz de crear desde cero sino que estaba condenado a reprogramar obras ya existentes, a manipular sus códigos haciendo visible sus entresijos gracias a los mecanismos de retroalimentación que permitía la nueva tecnología.
Entre las videoinstalaciones que acogen la segunda sección, encontramos Three Love Songs de Adel Abidin, en la que tres cantantes de arquetipo occidental interpretan con voz melodiosa lo que a primera vista parecen líricas baladas. Al estar reproducidas en árabe, desconocemos el significado de la letra y no es hasta que leemos los subtítulos en la pantalla, que comprendemos el desengaño, pues en realidad se trata de odas al que fue el líder del régimen iraquí, Saddam Hussein. Quizá sea esta una de las instalaciones que deja entrever con mayor contundencia con qué facilidad puede adulterarse la información para hacer converger un determinado mensaje a partir de los intereses del que las emplea.

Esto no es una canción de amor, aunque fácilmente tengamos la tentación de dejarnos seducir por las apasionadas interpretaciones y evadir la incómoda contraposición con una realidad que a primera vista nuestros sentidos quizá no puedan adivinar pero sí intuir.